大学结构素描课后感言

求一素描总结

从开始学画我们知道，素描水粉等是先描学起的，最先画简单的几何物逐渐画的复杂，那时不论多么简单的几何体，我们都要抓住或找准物体的透视，老师强调的也是透视的变化与准度，那时并不是很喜欢在几根线上不停改改擦擦，无聊不解甚至不耐烦，那时的我喜欢画室和书上那些画的很逼真的素描，迫切希望能早一天画到那样的画，但一步登天是不可能的，就像工程师渴望自己设计的大厦矗立，但要打造牢固的地基，这样大厦华丽与地基的朴实才能相得益彰。

结构，透视，三大面，五大调，基础的知识让我们低下梦想的头，暗暗努力练习着，不记得自己从小到现在糟蹋多少张白纸了，也忘记了自己那些数不清的铅笔，现在只依稀记得那句爸爸的玩笑话，一张纸五毛钱，但你画上画了就不值钱了，当时自己也愤愤的乐着，虽然心里不爽，但也无可奈何，因为知道基础的练习不是一朝一夕就能改变的，也相信基础对我们的重要性与它的平凡可贵。

素描心得

素描头像的训练，除了要有目的性以外，还必须具有正确的观察方法和表现方法，只有在学习中自觉地按照这些　　原理去做，抓住基本法则，才能较快地掌握造型的规律和方法。

【第1句】：观察方法：　　当我们开始写生时，面对着模特还只是一个初步的感觉，尽管这种感受 比较深刻，但如果只停留在初步的　　印象上来作画，就会被模特表面的细节所迷惑，促使你无法深入下去，有时甚至会产生一些视觉中的错觉而导致　　画面的种种错误，因此这种初步的视觉感受必须深化，即从感性的初级阶段上升到理性分析的阶段，树立正确的　　观察方法，其原因就是“感觉到了的东西，我们不能立刻理解它，只有理解了的东西才能更深刻地感觉它”。

在　　头像写生时，始终把新鲜的视觉感受与分析研究对象结合起来，通过这样长期反复的实践，端正观察方法，才能　　不断提高观察能力。

【第2句】：整体观念：　　在作画时始终坚持整体地观察对象，这是头像写生训练中一个十分突出的问题。

因为在素描写生中没有任何　　孤立的东西，它是秩序、综合关系所形成的和谐整体。

培养整体观察的能力，做到写生时纵观全局，这必须经过　　长期严格的训练。

在作画的时候，如果我们看到什么画什么，不仅会使画面失去绘画中所必须遵守的主次虚实关　　系，而且会导致顾此失被，因小失大，造成形体比例上的错误。

有一句艺术格言“画鼻子时看耳朵”，因此实际　　写生时当然不可能各局部同时画，但看对象时应纵观全局，各个部分的关系以一次观察所见为标准，不能以数次　　观察、不同时间所见为标准。

如画头的基本形时，就必须同时注意它与颈部和肩部的关系。

在处理明暗调子时也　　是如此，有时把这分画得暗一点，目的足为了使另一部分提壳；减弱这一部分是为了突出那一部分，这些都足以　　整体关系为着眼点。

总而言之，由于我们描绘的对象是一个具有内在相互联系的不可分割的整体，不论是结构关　　系、比例关系、黑白关系、体面关系、面和线关系，都是相对存在，互相制约的，如果画时孤立片面地去对待，　　最终必定会失去画面的整体统一。

由此可见，整体观察，它不仅是一个观察和表现的方法问题，也是一个思维方　　式方法问题。

　　自古以来，有成就的画家，始终把整体关系放在首位，在整体关系基本正确的前提下，再求局部的精致变化　　。

画局部，看整体，反复交替，互相促进。

如果局部破坏了整体，画面就会出现混乱，然而仅有大关系，没有局　　部的深入刻画，整体便是空洞的。

整体的充实，足由局部精致表现来反映的，是互为因果，相辅相成的。

　　为了达到局—部与局部之间，以及局部与整体之间“比例关系”的准备，首先要从确定大关系人手，遵循整体—　　局部--整体的作画步骤， 从大至小，由简人繁地逐步深入，同时要注意画面各局部之间的进展，始终保持相应　　的关系，才能进行有效的比较检验和调整。

　　柯罗曾经说“我从来不急于画细节，我首先注意一幅画的大体和特征.....”　　

【第3句】：立体观念：　　宇宙间的一切物体都是由它的高度、宽度和深度组合而成的，即三维空间。

许多考生由于缺乏关于物体的体　　积是由面构成的原理，尽管他们有着正常的视觉，但只能画出宽度和高度的二维空间，却不能画出深度，把立体　　感表现出来。

值得明确的是，任何物体都要以三度空间来测量，缺一不可。

　　在学习素描的开始，就应培养学生用立体观念去对待客观世界所有物象，并通过多种手法，把它们表现出来　　。

通过反复的学习实践，使学生对这方面的要求更加明确。

因为，素描虽然也有表现对象质感、体感以及不同色　　感的任务，比如画头像时，眼睛是透明的，头发蓬松而颜色较深；但它们首先都应具有立体感。

学生在开始观察　　时，总是看不到它的体积而仅看到对象的不同颜色。

所以他不能把深色的受光部画亮，也不能把浅色的背光部画　　深。

物体各种固有色的观念，影响他们去研究物体受光后的明暗变化。

为了便于学习，我们可以采取对石膏几何　　体的写生来理解物体由面所构成的原理，这个原理对于表现其它复杂的形体具有普遍的意义。

在此基础上，树立　　起在空间深度上塑造形体而不是在平面上描绘这一概念，不是轻易能够做到的，需要掌握透视知识和注意培养这　　种观察认识物象的习惯，才能正确把握物体在画面上的恰当位置，做到看得立体，画得立体。

【第4句】：艺术表现：　　艺术表现最主要的还是取决于作者的感受和艺术素养，取决于作者的精神表现，即内心世界的表达。

作者的　　感受越深，在感情上越是能鲜明地感受到对象精神的美和形象的美，就越能进行有效的艺术概括。

如作画开始，　　先观察研究，画面是强还是弱、色调是明快还是深沉等等，在感受对象的基础上，分析主次关系，前后虚实关系　　，这样由表象认识上升到理性的把握，画面上的形象就具有艺术的表现力和艺术感染力。

绘画训练是技术训练，　　同时也是艺术训练，二者是不可分割的整体。

在作画实践中，描绘活动同时也是表现活动，是作画人眼中、脑中　　、手下的同一件事情。

素描实践只讲技术不讲艺术，只能说是训练画匠。

造型艺术不讲艺术规律和艺术表现，就　　无所谓艺术教育，更谈不上艺术创造了。

　　艺术表现要付诸于形式，成为视觉感受的具体形象。

画面构图的主次虚实处理，用笔的抑扬顿挫，和谐的韵　　律节奏等等构成了形式美。

在学习中，各种形式美因素也是从观察、感受物象中升华出来并运用于艺术实践的。

　　倘若不顾对象故意摆弄玄虚，在画面上搞形式游戏，这是基础训练中不可取的。

【第5句】：素描头像与头部形体结构：　　要想画好一幅素描头像，首先要认识这个形象。

怎样才能了解和掌握它呢? 这就要求我们从形象的结构特征　　出发，对人物形体结构进行全面的分析理解，才会在今后学习中取得可喜进步。

　　素描造型的基本手段：素描造型的表现手法多种多样，在这里我们考虑再三，仅谈两种表现手法：即线条和　　明暗。

【第6句】：线条：：　　线条是一种明确的富有表现力的造型手段，能直接地、概括地勾划出对象的形体特征和形体结构，它具有丰　　富的表现力和形式美感。

随着对象的不同，要求用不同的线条表现。

从艺术大师不同画风比较中，就可以认识到　　这种表现领域的广泛性。

　　线条还有一种表现节奏的作用，轻重起伏波纹式线条，或刚柔相间、长短穿插、曲直弯转、抑扬顿挫的线条　　，给人以音乐的节奏感。

门采尔《轧铁工人》的画中就给我们这种心理效果。

　　线条在素描中不仅可以有效地把握形体，还能对所要表现的物象做出有力的判断。

素描训练无论采取哪种手　　段，开始都要用线确定所有的关系。

用不同种线条来寻找形体，—用多条重要的辅助线划分比例定位置；用长直　　线画大的形体关系；用切线画出小的结构转折关系；用重线、实在线表现近处和暗部；用淡线、虚线表现亮部和　　迟远的部分。

在素描训练中通过对线的探索，逐渐认识线在绘画中的作用，并能通过线条创造美的造型。

　　7 .明暗：　　明暗是表现物象立体感、空间感的有力阶段，对其真实地表现对象具有重要的作用。

明暗素描适宜于立体地　　表现光线照射下物象的形体结构、物体各种不同的质感和色度、物象的空间距离感等等，使画面形象更加具体，　　有较强的直觉效果。

在早期的绘画中，就有人不同程度地采用了这种手段。

到了文艺复兴时期，随着科学的发展　　，促进了这种手段的成熟，形成了明暗造型的科学法则。

这时期的三杰：达·芬奇、米开郎基罗、拉斐尔等艺术　　大师的研究实践把前人的经验，发展到了一个新的阶段。

　　明暗现象的产生是光线作用于物体的反映，建立在物理光学的基础上。

没有光就不能产生明暗。

倘若光线射　　在某一立体物体上，就不难看到不同的明暗现象。

由此可见，明暗现象的产生，是物体受光线照射的结果。

　　同一个物体虽然由于不同角度的光线照射而出现不同的明暗变化，但是光线不会改变对象的结构，因为对象　　的结构是固定的，而光线是可变的。

所以，物体明度调子的变化，结构是主体，光线是客体。

物体受光后出现受　　光部和背光部，即明、暗两大系统。

由于物体结构的各种起伏变化，明暗层次的变化是很多的。

我们把这种变化　　所具有的一定规律，归纳起来称作明暗五调子，即：亮部、中间色、明暗交界线、反光、投影。

其中亮部和中间　　色属于物体的受光部，明暗交界线和反光、投影属于背光部。

它们构成物体的明暗两大关系。

　　五调子的规律是塑造立体感的主要法则，也是表现质感、量感、空间感的重要手段。

素描造型正确地表现出　　这种关系，就可达到十分真实的效果。

明暗交界线是由亮部向暗部转折的部分。

这个最暗的部分我们不能简单地　　理解为一条重的线，它有宽窄、浓淡虚实等变化，其特点是由光源的强弱和物象的形体特征所决定。

我们非常重　　视明暗交界线的变化，是因为它在造型中起着十分重要的作用。

明暗交界线是区别物象面的不同朝向和起伏特征　　的重要标志。

暗部与反光是一个整体。

反光部很自然地统一在暗部。

过亮或过暗都会影响物象体积和空间的塑造　　，画得过亮，同亮部的中间色重复，显得孤立，影响整体协调的统一。

　　中间色是物体固有色中心区域，也是比较细致、复杂的，它是明暗分界线的壳部的过渡面，是个不易观察清　　楚而又要认真研究和刻画的重要部分，同时，它应和暗部自然地衔接起来。

投影在塑造物体的体积感和空间感中　　具有重要的作用，所以在素描学习中，应注意掌握投影的形体变化和虚实关系。

【第8句】：五官的造型特征：　　为正确生动地画好这些部分，不仅要熟悉它们的基本结构和特征，更重要的是理解五官由于面部表现变化而　　形成的相互关系。

不注意五官周围肌肉的变化和相互关系，表现就不自然。

　　眼：　　眼睛是由瞳孔、角膜、眼角组成球形嵌在眼睛窝里，上、下眼睑包裹在眼球外，上下眼脸的边缘长有睫毛，　　呈放射状。

上眼睑，睫毛较粗长向上翘，下眼睑睫毛细而短向下弯。

　　两只眼球的运动是联合一致的，视点在同一个方向上，由于头部的扭动，眼睛出现了不同的透视变化。

　　眼睛的形状不同，有圆、扁、宽、双眼皮、单眼皮等区别。

　　年龄段不同，眼睛的形状也不同。

有的人内眼角低，外眼角高；有的人内外眼角较平，观察表现应认真注意区分　　。

　　眉毛：　　眉头起自眶上缘内角，向外延展，越眶而过成为眉梢，分上、下两列，下列呈放射状，内稠外稀，上列覆　　于下列之上，起势向下，内侧直而刚，并且常因背光而显得深暗，外侧呈弧形，因受光显得轻柔弯曲。

人的眉毛　　形状、走向、浓淡、长短、宽窄都不尽相同，是显示年龄、性别、性格、表情的有力标志。

　　鼻：　　鼻隆起于面部，呈三角状，有鼻根和鼻底两部分组成。

鼻上部的隆起是鼻骨，它小而结实，其形状决定了鼻　　子的长、宽等。

鼻骨下边连接鼻软骨，包括鼻中隔软骨、鼻侧软骨和鼻翼软骨，鼻翼可随呼吸或表情张缩。

鼻子　　的形状很多，因人而异，有高的、肥厚的、也有尖细的或扁平的等等，都是形象特征的概括。

鼻孔的形状随鼻形　　而变化，特别与鼻翼有很大的关系。

　　嘴：　　嘴，就形状来说，是由覆于上、下颅骨和牙齿之上的双唇所决定的。

颌骨和牙齿形成的弧度直接影响双唇的　　曲直。

嘴形的不同，就是由颅骨和牙齿的弧线所定型的。

嘴唇由口轮匝肌组成，上下牙齿生在半圆形的上下颅骨　　齿槽内，外部是呈圆形体积。

上唇中间皮肤表面有条凹，称人中。

嘴唇的表面有唇纹，各人的唇纹形状不同。

上　　、下唇的活动十分灵活，彼此呼应，不仅对发音有很重要的作用，对表情也有直接的影响。

　　耳：　　耳朵由外耳轮、对耳轮、耳屏、对耳屏、哥垂组成，是软骨组织，具有一定的弹性，形似水饺。

耳朵稍斜长　　在头部的两侧。

在学习时除了弄清它的结构外，还应注意它的体积。

　　头部形体结构：　　人的头部结构较复杂，我们应以研究造型为目的，为更好地理解头部的体积，将人的头部予以几何化的归纳　　。

头部骨路是头部造型的本质所在。

它是处在圆球体和立方体之间，从整体上可以概括成一个圆球或立方体或楔　　形之间的复合体。

用立方体概括头部，便于掌握头部的空间结构。

头骨有几个突出的点，我们叫它骨点。

这些骨　　点通过面部肌肉显示出来。

从额头的额结节到眉弓、颞线、颧骨结节和下颌结节骨点的连接，便构成了头部不同　　面的转折。

由此可以看出眉、眼、鼻、嘴是处在一个面上，耳朵是长在两个侧面上。

【第9句】：头部比例：　　人的五官位置和形态特征各有差异，这是前人概括的头部的基本比例，有长三停，横五眼。

正面看人物头部　　，从发际到眉毛，从眉毛到鼻头，从鼻头到下颌等距离的三段为三停。

两只耳朵中间的距离为五只眼睛的长度。

　　成人眼睛在头部的二分之一处，儿童和老人略在三分之一以下。

眉外角弓到下眼眶，再到鼻翼上缘，三点之间的　　距离相等，两耳在眉与鼻尖之间的平行线内。

这些普通化的头部比例只能作为写生开始时的参考，最重要的是在　　实践中灵活运用，正确区别不同的形态结构，才能体现所描绘对象的个性特征。

素描课教学评价怎么写

1 关于临摹根据以前在基础教学的课堂上，存在着这样一种普遍现象，学生喜欢写生，不愿意去临摹。

我有时也随着学生的喜好不安排临摹课。

有时我也认为学生临摹不过是照猫画虎，照葫芦画瓢，担心过多的临摹会压制学生的思维，束缚学生的手脚，后来我发现它恰恰堵塞了学生认识过程的一个捷径。

临摹优秀的素描作品，研究各种不同的素描造型方法和表现形式，以及有关造型美术的法则和规律，予以借鉴和运用，对于提高艺术素养和素描造型的技能技巧有着积极的促进作用。

当然，我在安排幼师班素描基础训练临摹时，同时也注意不同时间、不同阶段的问题，从最基本的单个石膏几何体开始，要循序渐进，不能拔苗助长。

对部分学生而言，最初的基础训练是枯燥、乏味的，因为自己不会画就会出现一些厌烦的心理。

比如有一次我要求同学们临摹一个球体，批改过程中发现一名学生没有按要求起稿，画面上画错的地方也只是一涂了事，整个画面显得很凌乱、潦草。

我心里一气打算当着其她同学的面狠狠的批评她一顿，让她改掉这个毛病。

当我抬头看这个学生时，我发现她衣着整洁，头发梳得很整齐，还别了漂亮的头花。

我马上改变了主意，对她说：“你今天穿的真漂亮，给人活泼天真的感觉，头发梳理的也很整洁，头花也很漂亮。

”说到这，我收住话把她的作品让她看，当她看到自己的作品时，脸色慢慢变红了。

我趁热打铁的对她说：“作业如同人的仪表，画的干净工整，看了就舒服，是一种享受，用铅笔起稿画错的地方可以擦掉重画，涂涂抹抹谁愿意看呢

一个不讲究卫生、不注意仪表的学生你愿意和她做朋友吗

”直说的这位同学不好意思的低下了头。

第二天，这个同学重新画了一幅交给了我。

赞科夫曾说过：“教育一旦触及学生的精神需要，就能发挥有效的作用。

”通过这件事，使我体会到变批评为引导，维护学生的自尊，可以收到事半功倍的效果。

2 培养学生良好的观察方法艺术大师罗丹说：“艺术家所见的自然现象，不同于普通人的眼睛所见的自然现象，因为艺术家的感受，能从物体外表体会内在的真实，通过他的心及与心相应的眼睛去深度理解自然形象的内部。

”也就是说没有经过素描训练的人观察物象时，总是习惯于从细部去看，看完一个局部再看另一个局部。

这种观察反映到画面上，就不能正确、完整的表现物象的整体形象。

所以在学生临摹之前我不断引导强调运用正确的方法观察临摹品，不仅要立体的看，整体的看，重点的看，比较的看，还要艺术的看。

在看的过程中，不但要用你的眼，更要用你的头脑去分析，要用你的情感世界去体验其中复杂的过程。

所以，对初学者而言，学习正确的观察方法才是学习绘画的首要通道，这就要求教师不但要教导学生学会正确的看的方式，更要求教师努力寻找一些提高学生心智、丰富学生情感的方法，让观察在素描教学中产生应有的效果。

3 要有正确的作画过程科学的观察方法与正确的作画过程是一致的，而正确的作画过程又反过来促进科学的观察方法。

素描临摹都要经过构图、打轮廓、定大形、深入刻画到整体调整等不同的作画环节。

作画环节中的每一阶段，有着明确的阶段目的、任务和要求；每一阶段之间，又有着因果、启承、交错的密切联系，只有这样，才能使作画程序的每一阶段都达到服从于训练的整体要求和素描造型的整体目的，从而避免了作画过程中的盲目性和随意性。

如果没有这种正确的作画过程，就不能保证画面的准确、深入与完整，同时还会延长时间。

4 要有立体的观念一切物体的存在都占据一定的空间。

即使说一切物体都具有包括高度（长度）、宽度和厚度（深度）在内的三度空间，都表现为一定的形状、大小的体积。

因此，从学生一开始学习素描就不断强调要在头脑中树立立体的观念，学会从形体结构的体面关系去认识和表现对象，变平面认识为立体认识，变平面表现为立体表现，掌握和提高在二度空间的平面上表现形体三度空间的立体造型方法和技能。

在训练中，还要十分注重脑、眼、手的结合，学生有时不太理解，于是我就给她们边示范边讲解，这样在讲解理论的同时让学生主动接受知识加深印象并加以正确运用。

5 热情、主动、勤奋、求实的学风在基础素描学习中，既要注重技能训练，又要发展思维能力，因此必须提倡、热情、主动、勤奋、求实的学风。

热情，就是要热爱生活、热爱艺术、热爱所学专业，这是产生学习热情的原动力。

主动，就是要主动地取人之长，补己之短，主动提出问题，积极思考，主动地探索进取，永不满足。

勤奋，就是要勤练、勤看、勤想，以求得明理通理，提高技能技巧。

求实，就是要以科学需要的诚实和艺术需要的真诚来对待学习。

有了这些精神，就会以科学的方法，严格按照基础素描训练的课题要求，循序渐进，脚踏实地地进行学习；就能认真地研究和表现客观物象，扎扎实实地练好基本功，而不好高骛远，流于虚浮，满足于“花架子”。

只有这样才能促使学生在艺术的王国里，有“必然”走向“自由”，为艺术才能的发挥奠定坚实的基础。

除了此之外，我觉得心里要有学生，要关爱每一个学生，尊重每一个学生。

但关爱不是溺爱，我认为严也是一种爱的表现，特别是像美术这种随意性很强的课，对学生的严格要求，严格管理，严肃纪律等这对学生的成绩都是有益的。

比如，在课堂教学上我不要求学生一定要挺胸坐直着画，可以随时调整你的坐姿，但前提是不允许讲话；上课时允许学生随意下位，找同学修改作业，进行合作学习，但前提是不得影响和妨碍其她同学。

提出这种要求原因是，学生在学画时如果一味的埋头苦画有时会封闭学生的思维灵感。

与同学间的探讨、互改，向老师提问，或者站起来把自己的作业与临摹品放远处比较进行修改，这样轻松的学习环境反而让学生进步更大。

结构素描，素描和线描的区别

应该多了解素描知识，再多练习基础把基础打好。

大学美术系主要学什么内容

大学美术系相关专业有：1。

雕塑系:倡导艺术理想和人文精神的素质教育,注重专业技能的系统化教学,注重创新能力和实践能力的培养。

依托传统、立足当代、关注未来,旨在为社会主义现代化建设需要,培养具备良好的综合素质,扎实的专业基础、广博的理论学识和创造性艺术实践能力的雕塑创作、教学和研究的专门人才。

主要课程: 素描、速写、浮雕、圆雕、艺用解剖、衣纹训练、雕塑构成、中外雕塑史、硬质材料、综合材料、中国传统雕塑、现代雕塑、环境雕塑、 具象雕塑、 装饰雕塑、 实验性雕塑 、 电脑辅助设计等。

2。

绘画系:绘画系是以当代各种艺术形态综合表现为其创作的专业主攻方向的教学与研究单位。

学术思想:中西融合、兼容互补,艺理并重、多元并举、融汇创新。

以培养具有中国文化涵养和艺术素质的艺术人才,探索中国现代艺术教育为目标,以综合媒材艺术研究与实践为专业方向,其课程体系强调中西绘画理论和新的造型课程内容的比较研究与实验,以期打破画种的界限,拓宽多种艺术表现手段和多媒体综合运用的领域。

专业课程 :素描造型课程,色彩造型课程,材质构成表现课程,综合绘画创作课程,新媒体课程,速写、名画解析、大型绘画解析、构成(平面、立体、色彩)、传统油画技法解析、形式语言基础、透视、电脑、解剖、民族书画基础、中外美术史、艺术概论、中外名著赏析、雕塑、摄影、黑白暗房技术、布展常识、写生 \\\/ 交流 \\\/ 考察、建筑欣赏、戏剧欣赏、音乐欣赏、电影欣赏3。

设计系:通过学习使学生掌握较系统的专业基础理论知识,并且着力加强学生的实践操作能力,重点通过具体的案例来进行教学,在讨论和实际操作中了解中外平面设计的沿革与发展,在教学活动中培养学生具有较深厚的文化素养、扎实的专业基础、敏锐的观察思维能力,尤其是良好的沟通工作能力。

通过对文化、现代设计案例及实验型课程的教学,使学生具有解决实际问题的能力、创新思维的能力和综合的设计表达能力。

主要课程: 设计概论、构成设计、图形设计、色彩设计、字体设计、广告设计、包装设计、书籍设计、标志设计、插图设计、摄影技法、计算机辅助设计、企业和机构视觉形象设计、销售环境设计、综合造型基础、综合设计基础、广告概论、广告文案与创意、市场营销、媒体研究、广告摄影、计算机图形设计、平面广告设计、立体广告设计、平面设计等。

4。

舞台美术系简介:舞台美术系主要培养戏剧、影视美术设计的专业人才。

舞台美术系要求学生具有良好的艺术感受力、鉴赏能力和功底扎实的美术基础。

舞台美术系专业设置,课程设置齐全,各个专业都有专业主课,专业技术课,专业史论课作为支柱的、合理的课程结构。

舞台美术系为戏剧、电影、电视和其他演出部门培养舞台设计、舞台灯光设计、舞台服装设计、舞台化妆设计、舞台绘景设计、舞台管理六种专业人才。

主要课程: 舞台设计基础、舞台设计、舞台技术、舞台技术基础、绘画(专业基础)、艺术概论、中国话剧、中国戏剧、外国戏剧5。

汉字艺术系:目的在于为中国汉字艺术的理论研究、艺术创作和实际运用三个方面培养专门人才。

6。

中国传统工艺美术系:文化艺术理论课:中国工艺美术史、艺术概论、中国玉文化、玉器工艺发展史。

基础美术课:素描(比例、结构、三维概念)、线描(准确的绘画能力)、雕塑(整体把握能力、细部刻画能力)、电脑(图像处理、三维绘画)。

专业课:(三分之一课时)玉器材料学、玉器工艺学、经典玉器作品欣赏、点评(历史的、近代的、现代的)

怎样给学生的绘画作品写指导性评语

在美术活动中，对学生作品的评价是不可缺少的一环节，因为老师适当的评价能有效激发学生的绘画兴趣和积极性，使学生感受到自己的进步，体验到成功的快乐。

我认为在评价学生作品时应做到以下几点：一是遵循发展规律。

学生绘画有其一定的发展过程，从涂鸦——再现——创造，随着年龄的增长，思维面逐渐扩散，不同时期有不同的特点，评价学生的作品应有不同的方式，教师如果采用不得当，可能会使学生绘画兴趣从此被淹没，影响了今后的正常发展。

二是尊重个体差异。

一个班的孩子，其绘画水平不是一条线，个体差异在任何教育活动中都存在，在绘画中也不例外，有的聪明灵活，有的思维较呆板，绘画作品也就千姿百态。

我们要善于发现每个孩子的点滴进步，给予正确的评价，促进整体提高。

三是激励保护的原则。

学生由于年龄小，认识不完整，思维没有定势，因而在绘画中会组成许多非现实的形象和样式。

一幅绘画作品，无论成败，教师都应站在保护创造心、自信心的基点上进行恰如其分的评价，既能鼓励学生的发展，又能增强他们对创作、对生活的信心。

另外，教师在辅导学生绘画时，绘画的工具、绘画材料也太过局限，没有充分利用现有资源。

大自然赋于我们得天独厚的条件，河里的沙石、大树的叶子、山上的草秸、瓶盖、土豆片......都可以用来当作绘画的工具与材料。

我们要善于利用各种有利条件，合理指导学生绘画，激发学生想象，鼓励他们大胆地表现，让他们在有趣的艺术活动中快乐成长。

大一色彩结课总结1500字

在两周的色彩图式语言的课程之后,开始了为期四周的色彩课程的学习.色彩课程的练习主要是在对静物的写生中开展的,目的是深化对色彩图式语言的理解,熟练对图式语言中的各个要素的把握和运用,重点的是在对图式语言对色彩中色像,明度,纯度要素的协调运用,对物体的颜色,光影,透视和图案的构成的表现的基础上,丰富整个画面,使画面更加完整.所以说画面的完整性是这四周的色彩课程的主要训练目标.在四周的色彩课程中,我总共完成了13幅色彩作业.在课程的第一周,我只要进行了对机器静物的写生练习,由于造型能力有限,色彩感觉不太好,写生的作品比较失败,画面缺乏完整性,对静物色彩的把握也不好,往往只有简单的明度对比,仅仅用不同的颜色表现了所看到静物的素描关系.在课程的第二周,我尝试了按照莫兰迪画面上的感觉,试图将其把看上去简单其实却很丰富的色彩用在对陶罐静物的写生中,所以我自己摆了一组很简单的静物,在一个黄色的桌子上就只有一个褐色的陶罐,用了两天的时间去对这个对象进行写生,最后的效果还是不好,画面上依然只有简单的素描明暗关系,也还是用单调的色彩画出的素描静物.在第二周的课外作业中我用水分颜料花了一个星期的时间临摹了凡高的《星月夜》，尝试了凡高那种特有的笔触，虽然最后完成的作品中颜色和原作中有比较大的出入，一方面是由于我选择的临本本身的印刷问题，整个画面色调偏绿，而我在临摹的过程中也由于经验和技术上的问题，调不出临本上的颜色，所以，画面气氛比原作要少很多，但是经过对这幅《星月夜》的临摹，我一方面体会到了凡高的画并不是一时意气之作，他的画面都是经过精心安排，仔细构图的，比如《星月夜》这幅油画，凡高先是用钢笔做了张草图，然后再用油画颜料画在画布上，而画面中高大的贯穿整个画面的深色的丝柏正好分割了整个天空，阻挡了天空的流动，使画面更加沉稳；然而更重要的是我在对《星月夜》的临摹过程中稍稍体会到了用色的一些方法。

在临摹完《星月夜》之后完成的另外一张课外作业中，默写了学校宿舍后面一排平房晚上停电时，一半自己发电亮着灯，而另一半点着蜡烛的场景，在这幅画中模仿了凡高的笔触描绘天空，整张画虽然还是缺乏完整性，但是色彩的丰富程度大有提高。

在课程的第三周和最后一周，我尝试运用了油画颜料这一种新的工具，对蓝色桌布上的一束花写生，感受了油画颜料和我一贯运用的水粉颜料的不同，而画出来的效果也比水粉画更好。

我在继续丰富画面的色彩的同时，加长完成作业的时间，以提高作业的完整性。

在完成长期作业的过程之中，也穿插了小尺幅的短期作业，快速表现场景和静物制作草稿，以训练在构图上的安排和对整个画面色调和气氛的控制。

在最后一周时间中主要完成考试作业结束和总结课程学习。

在色彩课程学习的过程中，一共组织了两次大课，讲解欣赏学生优秀作品和大师范画，这对我学习很有帮助，在课程的学习中，老师也细心帮我讲解，也促进了我的进步，在以后的学习中我要继续努力，提高绘画水平。